ご指摘の通り、声道の調整は共鳴特性を変えるだけでなく、声帯振動そのものにも影響する場合がありますね。 これは「音源・フィルタ相互作用」と呼ばれる現象で、声道の音響的な負荷が声門気流や声帯の振動状態に作用するものです。 厳密には、喉頭原音は声帯振動そのものではなく、それに伴う声門気流の変動によって生じる音源です。 相互作用の程度は発声条件によって異なりますが、声道と声帯を独立したものとして捉えないという着眼点は、非常に重要だと思います。

47年前のウォークマンのヘッドホンが、現代によみがえる。 ソニーが本日、初代ウォークマンとともに登場したヘッドホンのデザインを受け継ぐ新製品『MDR-3R』を発表した。 11月20日発売予定で、市場推定価格は8,000円前後。 当時を象徴するブルーとオレンジのイヤーパッドを再現しながら、接続端子はUSB-Cという現代仕様になっている。 1979年に登場した初代ウォークマンは、音楽の楽しみ方を大きく変えた。 お気に入りの録音を持ち歩き、ヘッドホンを通して、いつでも好きな場所で聴く。 現在では当たり前になったこの楽しみ方を、広く普及させたのである。 私は、ウォークマンがもたらした変化の中でも、音楽と聴き手の関係が、より個人的なものになったことに大きな意味があると思う。 演奏会場では、同じ時間に同じ音楽を大勢の人が共有する。 一方、ヘッドホンで聴く音楽は、一人ひとりの生活の中に入り込んでいく。 通学途中に繰り返し聴いた曲が、何十年も経ってから、当時の街並みや友人との会話まで思い出させてくれることもある。 音楽そのものは変わらなくても、聴いた場所や、そのときの気持ちによって、記憶への残り方は変わってくる。 音楽が単なる娯楽にとどまらず、人生の思い出の一部になっていくのは、こうした体験の積み重ねによるものだろう。 今回の新製品は、あえて有線接続を採用している。 充電もペアリングも不要で、対応するスマートフォンに差し込めば使える。 昔のデザインを懐かしむだけでなく、現在の生活の中でも気軽に音楽を楽しめるように考えられている。 当時のウォークマンを知る世代にとっては、青春時代を思い出す製品だろう。 初めて見る若い世代には、むしろ新鮮なデザインとして映るかもしれない。 ヘッドホンを懐かしく感じるのは、その形だけを覚えているからではない。 あのヘッドホンで何を聴き、どんな時間を過ごしていたかを覚えているからだと思う。 47年を経てよみがえったデザインには、音楽とともに過ごした多くの人々の記憶も重なっている。

Metallicaさんが、10月15日にラスベガスの巨大球体型コンサート会場「スフィア」で披露した『Battery』と『Sad But True』の公式ライブ映像を公開した。 巨大なスクリーンを駆使した演出も壮観だが、私は、対照的なこの2曲から、音楽の迫力を生み出す演奏技術について考えさせられた。 『Battery』は、速いテンポで畳みかける演奏が特徴的な曲だ。 一方、『Sad But True』は、比較的ゆったりとしたテンポでありながら、非常に重厚な響きを持っている。 音楽の迫力は、必ずしも速さや音量に比例するわけではない。 特に『Sad But True』のような曲では、音を鳴らす瞬間と同じくらい、音を止める瞬間が重要になる。 ギターやベース、ドラムが音を切るタイミングを揃えることで、次の一撃がより鮮明に感じられる。 音と音の間に生まれる時間も、演奏の力を支えているのだ。 ここで求められるのは、単に一定のテンポを守る技術ではない。 それぞれの音をどれだけ持続させ、どの瞬間に次の音へ移るかという、演奏者同士の精密な共有である。 ボーカルが言葉を置くタイミングも、その音楽的な構造と無関係ではない。 速い曲では、次々に現れる音を正確に処理する能力が試される。 ゆったりとした曲では、一つひとつの音の始まりと終わりが際立つため、わずかなズレが演奏全体の印象を変えてしまう。 私は、Metallicaさんの重厚な演奏を支えているのは、激しい音を鳴らす能力だけではなく、こうした時間の扱い方にあると思う。 スフィアの映像技術は、観客を音楽の世界へ引き込むための素晴らしい手段だ。 しかし、どれほど映像が壮大になっても、音楽そのものの力を決めるのは演奏者である。 何十年も演奏されてきた楽曲が、最新鋭の会場で新たな魅力を見せる。 そこには、時代とともに進化する舞台技術と、長年磨き続けられてきた演奏技術の見事な共演がある。

いきものがかりのボーカル、吉岡聖恵さんが、秦基博さんの代表曲『ひまわりの約束』を歌った。 11月4日に発売された、秦さんのデビュー20周年記念トリビュートアルバムでのことだ。 Superflyさんや緑黄色社会さんなど10組が参加しているが、私が特に注目したのは、いきものがかりさんとの長年の交流である。 秦さんといきものがかりさんは、2006年にメジャーデビューした同期だ。 デビュー当時には一緒にツアーを回り、吉岡さんと水野良樹さんは、舞台袖で秦さんの歌を聴いて「打ちのめされた」と振り返っている。 その後も交流は続き、2021年には吉岡さんのソロ初のオリジナル楽曲『まっさら』を共作した。 吉岡さんが作詞、秦さんが作曲を担当している。 秦さんが吉岡さんの歌声のために書いた作品があり、今回は吉岡さんが秦さんの代表曲を歌う。 何とも素敵な関係ではないだろうか。 よく知られた曲をカバーするとき、聴き手の記憶には原曲の歌声が残っている。 同じ旋律と言葉でも、ブレスの位置や言葉の運び方、声の表情が変われば、伝わる感情も違ってくる。 原曲の歌手に似せることより、その曲の魅力を自分の声でどう届けるかが問われるのだ。 いきものがかりのお二人は、今回のレコーディングについて、演奏や歌入れを重ねるたびに、何度も曲の素晴らしさを感じたとコメントしている。 私は、この言葉がとても印象に残った。 20年のキャリアを重ねても、同期の作品を歌うことで改めてその魅力を発見する。 長年親しんできた音楽であっても、実際に自分で歌ってみると、聴いているだけでは気づかなかった表現の難しさや面白さに出会うことがある。 20年前、舞台袖で秦さんの歌に圧倒された吉岡さんが、今度は自分の歌声で秦さんの代表曲を届ける。 今回のカバーには、単なる名曲の再演にとどまらず、互いの音楽を尊重しながら歩んできた20年という時間が感じられる。 こうした音楽家同士の交流が、新たな歌唱として形になることを嬉しく思う。

Mrs. GREEN APPLEさんが、ザ・ビートルズさんやアリアナ・グランデさんらと並び、世界的な音楽企業ユニバーサル ミュージック グループのトップセラーに名を連ねた。 10月29日に発表された2026年第3四半期の決算でのことだ。 さらに、9月30日に発売されたアルバム『POPS』は初週約64万6千枚を売り上げ、オリコン週間ランキングで1位を獲得した。 国内での圧倒的な人気が、世界的な音楽企業からも注目される存在感につながっている。 今回の『POPS』で特に面白いのは、アルバムの発売によって、すでに発表されていた楽曲まで再び盛んに聴かれるようになったことだ。 収録曲のうち5曲がオリコンのストリーミング急上昇ランキングで10位以内に入り、1位から4位までを独占した。 朝のテレビドラマで親しんだ『風と町』、アニメを通して知った『lulu.』、CMで耳にした『夏の影』。 それぞれ異なる場所で出会った楽曲が、一枚のアルバムの中で再び聴き手と出会っている。 歌唱表現の面でも、こうした楽曲の幅広さは注目に値する。 例えば『Brand New』の勢いと『風と町』の穏やかな語りかけでは、求められる声の表情が違う。 大森元貴さんの魅力は、華やかな高音だけでなく、楽曲の性格に応じて言葉の届け方やフレーズの運びを変えられるところにもあると思う。 ポップスの歌唱では、どの曲でも同じように美しい声を響かせればよいわけではない。 楽曲が求める表現に応じて歌い方を変えながら、歌手自身の個性は失わない。 その両立こそ、多彩な作品を一人の歌手の音楽として成立させる重要な能力だ。 Mrs. GREEN APPLEさんの人気の大きさは、数字だけでも十分に伝わってくる。 しかし、その数字の向こうには、異なる楽曲との出会いを重ね、何度も聴き直している人々がいる。 世界的な企業のトップセラーに名を連ねたというニュースも嬉しいが、私は、その規模の人気を支える楽曲の豊かさと、それを歌い分ける表現力を高く評価したい。

曲のキーを下げたのに、前より歌いにくくなってしまった。 自分に合う高さは、どうやって見つければいいのか。 『Luther Radio』 第96回、録音でお聴きください。

歌い手の喉を守るために必要なのは、いつも「守り」の発声をすることではない。 表現のために思い切って「攻め」の発声をしても、ダメージを受けにくい身体と、それを使いこなす技術を育てることだ。 歌には、感情の高まりに応じて声を強く出したり、音色を大胆に変化させたりする場面がある。 喉への負担を恐れるあまり、声量や音域、声の使い方を制限してばかりいては、作品が求める表現に応えられなくなってしまう。 現在知られている発声法が、声による表現の可能性をすべて網羅しているとは限らない。 従来の方法では想定されていなかった音色や発声表現も、音楽の発展とともに生まれてきた。 既存の発声法に当てはまらないという理由だけで否定してしまえば、新しい表現への挑戦まで妨げることになる。 力強い声を出すには、単に呼気圧を高めればよいわけではない。 声帯の閉鎖機能や呼吸に関わる筋肉が適切に協調し、必要な声を無理なく生み出せることが重要になる。 そのためには、目的に応じた筋力トレーニングで身体能力を高め、それを実際の発声に結びつける「機能付け」が有効だ。 筋肉を鍛えるだけでは、歌唱技術は向上しない。 トレーニング後に呼吸、発声、発語、歌唱へと段階的につなげ、鍛えた身体を表現に使える状態へと整えていく。 また、負荷を高めることと無理をすることは違う。 声の疲労や不調を見極め、その日の状態に応じて調整する能力も欠かせない。 発声・歌唱指導者の仕事は、歌い手を既存の発声法という型にはめることではない。 一人ひとりが目指す表現を理解し、それを実現できる身体機能と技術を育てることにある。 指導者が自分の知っている方法だけを正解としてしまえば、歌い手の可能性は、その指導者の知識の範囲に閉じ込められてしまう。 喉を守るために表現を削るのではなく、表現の可能性を広げるために身体を鍛え、技術を磨く。 発声法は歌い手の表現に限界を設けるためのものではない。 指導者の知識の限界を、歌い手の表現の限界にしてはならないのだ。

大黒摩季さんが、初めてのインストアイベントに、なんとツアーと同じ真っ赤なフラメンコドレスで登場したという。 11月3日、千葉県のイオンモール幕張新都心で開催されたイベントでのことだ。 初めてなので、どの程度の衣装が適切なのか分からず、ツアーと同じものを着てきてしまったと笑いを誘ったそうだ。 しかも、フラメンコギターや歌のサポートメンバーまで参加し、途中には衣装替えも披露。 どうやら「控えめに」という選択肢はなかったらしい。 私は、こうした本格的な取り組みに、演奏家としての魅力を感じる。 コンサートホールには、最初から演奏を聴くつもりの観客が集まる。 一方、ショッピングモールには、買い物や食事を目的に訪れた人もいる。 偶然その場に居合わせた人の足を止め、音楽に耳を傾けてもらうところから、演奏が始まる場合もあるのだ。 こうした環境では、歌唱力だけでなく、観客の関心を引き寄せる表現力も重要になる。 華やかな衣装や演出には、視線を集め、これから始まる音楽への期待を高める働きがある。 大黒さんの赤いドレスは、第一声を発する前から、すでに観客を楽しませる役割を果たしていたのではないだろうか。 実際、この日は1階から5階までの吹き抜けに大勢の人が集まり、最後の『ら・ら・ら』では大合唱になったという。 会場の規模や設備だけで、公演の価値が決まるわけではない。 普段はコンサートに足を運ばない人が、偶然出会った生演奏に心を動かされることもある。 そうした出会いを生み出せるのも、商業施設で開催する音楽イベントの魅力だと思う。 それにしても、初めてのインストアイベントで、ツアー衣装に本格的な演奏、さらには衣装替えまで披露するとは、なかなか豪快である。 ご本人は衣装の加減が分からなかったと笑っていたそうだが、観客を楽しませる加減については、どうやら心配無用だったらしい。

録音する場所が変わると、自分の声の印象まで変わる。 その録音だけで、歌が上手くなった、下手になったと判断できるのか。 『Luther Radio』 第96回、録音でお聴きください。

花火大会の翌朝、河川敷に大量のゴミが散乱している写真を見せられたら、観客のマナーの悪さに呆れる人も多いだろう。 ところが大阪の「なにわ淀川花火大会」では、主催者が観客に、会場内で出たゴミを河川敷に置いて帰るよう呼びかけているという。 大勢の観客が一斉にゴミを持ち帰ると、帰り道の駅やコンビニ、周辺の住宅付近などに捨てられてしまうことがある。 そこで、会場内に残されたゴミを翌日にまとめて回収する仕組みにしたのだそうだ。 私が感心したのは、「ゴミは持ち帰るもの」という常識にこだわらず、実際に起きている問題を解決する方法を選んだことだ。 イベントの運営では、観客に何をお願いするかによって、その後の人の動きも変わってくる。 ゴミを持ち帰るよう呼びかけても、途中で捨てられてしまえば、周辺地域に迷惑がかかる。 それならば、回収できる場所にゴミを集める方が合理的だという判断なのだろう。 もちろん、ゴミが勝手に消えるわけではない。 報道によれば、翌日の清掃には例年約1,000人のボランティアが参加し、河川敷だけで約60トンものゴミが回収されるという。 観客には便利な仕組みだが、それを支える人々の大変な労力がある。 仮に、事情を知らない人が翌朝の河川敷を撮影し、SNSに投稿したらどうなるだろう。 主催者のルールを守った観客が、写真一枚で非常識な人々に見えてしまうかもしれない。 写真には、実際に起きたことが写っている。 しかし、なぜそうなったのかという事情まで写っているわけではない。 見たものが事実であっても、そこから導き出した判断まで正しいとは限らないのだ。 今回の花火大会は、イベント運営の工夫としても興味深いが、私たちが普段どれほど限られた情報から物事を判断しているかを考えるきっかけにもなる。 ゴミだらけの河川敷を見て憤慨した人が、事情を知って、自分の早合点に気づく。 そんな皮肉なことも、SNSでは十分に起こり得る。 見えているものがすべてとは限らない。 今回の花火大会は、そのことを実に分かりやすく教えてくれる。

63歳の内藤時浩さんが、年齢だけでインターネットに疎いと決めつけられることに異議を唱え、話題になっている。 私も66歳だが、今の60代には、インターネットが普及する以前からデジタル技術に親しんできた人も少なくない。 パソコン通信の時代には、モデムの設定から通信回線への接続まで、何かと手間がかかった。 あの「ピー、ガー」という音を覚えている人も多いだろう。 音楽としては少々前衛的だったが、無事につながったときには、なかなかの達成感があったものだ。 今ではスマートフォン一つで、世界中の情報にアクセスできる。 昔の機械に詳しいからといって、最新の技術まで使いこなせるとは限らないが、便利になるまでの苦労を知っているのも、それはそれで面白い経験だと思う。 若い人でもデジタル機器が苦手な人はいるし、80代でも自在に使いこなす人はいる。 結局のところ、年齢よりも、何に興味を持ち、どのような経験を積んできたかによるところが大きいのだろう。 それにしても、昔は機械を相手に悪戦苦闘していたのに、今ではAIと普通に会話しているのだから、世の中は面白い。 あの頃、パソコンに向かって話しかけていたら、家族に心配されたかもしれない。 今ではパソコンの方が返事をしてくれるのだから、たいした進歩である。

音楽が聴き放題の時代なのに、なぜ今もCDやレコードを買う人がいるのだろう。 日本レコード協会によると、2026年1月から9月までの音楽ソフト生産金額は前年同期比8％増だった。 CDだけでなく、アナログレコードや音楽映像も含めた数字なので、単純にCDが復活したとは言えない。 それでも、配信が定着した現在、形ある音楽商品への需要が続いていることは興味深い。 以前は、好きな曲を自宅で聴くために、その音源を手に入れる必要があった。 今では、毎月一定の料金を支払えば、膨大な楽曲を自由に楽しめる。 音楽を聴くことと、音源を所有することが、必ずしも結びつかなくなったのだ。 そんな時代だからこそ、CDやレコードを購入する意味も変わってきたのではないだろうか。 好きな作品を手元に残しておきたいという気持ちは、単に音源を所有することだけでは説明できない。 ジャケットのデザインや歌詞カード、制作に携わった人々の名前など、音以外の部分にも作品としての魅力がある。 お気に入りの一枚を棚から取り出す楽しさも、配信とは異なる音楽体験だろう。 アルバムを最初から最後まで通して聴くことにも、独特の面白さがある。 曲順には作り手の意図が込められている場合があり、前の曲の余韻によって次の曲の印象が変わることもある。 もちろん配信でも同じ聴き方はできるが、一枚の作品を選び、それにじっくり向き合う時間を楽しむ人もいる。 もっとも、音楽ソフトの生産金額が増えたことを、そのまま音楽鑑賞への関心が高まった証拠とするのは早計だ。 限定特典や複数のパッケージ仕様など、購入を促す販売方法もある。 何枚売れたかという数字だけでは、作品がどのように楽しまれているのかまでは分からない。 私が面白いと思うのは、音楽を聴くために必ずしも買う必要がなくなったことで、購入する理由が以前より多様になったことだ。 配信で気軽に出会った曲を何度も聴き、すっかり気に入ってからCDを購入する人もいるだろう。 最初から好きな歌手の新作を手元に置きたいという人もいる。 配信の普及によって、音楽を楽しむ方法は確実に広がった。 その便利さを享受しながら、形ある作品を大切にすることもできる。 音楽を買わなくても聴ける時代になったからといって、音楽を買う楽しみまでなくなるわけではない。 むしろ、何を聴くかだけでなく、どの作品を自分の手元に残したいかまで、自由に選べる時代になったのだと思う。

私は、ボイストレーナーというものは、ただ「正しい発声」で歌うことを教える存在ではないと思っている。 どうも巷には、「正しい声」が一つだけあり、そこへ近づけることが指導だという考え方が多い。 しかし、歌手が必要としているのは、発声の見本を再現することではない。 その人の音楽、その人の役、その人の表現に必要な声を使えることだ。 時には、教科書的には効率が悪く見える声や、クラシックの基準では勧めにくい声が、その人の表現には必要になることもある。 荒れた声、息の多い声、強く押したように聞こえる声、極端に明るい声。 それを全部「間違い」として消してしまえば、その歌手らしさまで失うことがある。 もちろん、喉を壊してよいという話ではない。だからこそ、ボイストレーナーの仕事がある。 本人のパフォーマンスに必要な声が、いわゆる「正しい発声」から外れているのであれば、その声をできるだけ安全に、再現性を持って使える身体を作る手助けをする。 その声をどこまで使えるのか、どの使い方から負担が増えるのか、歌い終えたあとにどう回復させるのかまで含めて考える必要がある。 「この声は正しい」「この声は間違い」と仕分けするだけなら、指導は簡単である。 しかし、本当に必要なのは、その人が何を表現したいのかを聞き、そのために必要な声を一緒に作ることだ。 ボイストレーナーは、歌手を同じ声に揃えるための仕事ではない。 その人に必要な声を、その人の身体で使えるようにする仕事である。

アイドルの足上げダンスに、宝塚歌劇団が加わるという。 11月11日放送の『ベストヒット歌謡祭2026』では、Juice=Juiceと宝塚歌劇団雪組が『盛れ！ミ・アモーレ』を共演するそうだ。 激しく踊りながら歌う姿を見て、「あれだけ動いて、よく声が出るものだ」と感心したことはないだろうか。 実際、ダンスを伴う歌唱には、立ったまま歌う場合とは異なる難しさがある。 脚を高く上げたり、身体を大きくひねったりする瞬間には、姿勢を保つためにさまざまな筋肉が働く。 その影響で呼吸の動きが制限され、首や肩に余計な力が入ることもある。 高音を出そうとして腹部まで強く固めてしまえば、呼気圧の調整が難しくなり、かえって声が不安定になる場合もある。 こうした歌唱では、ブレスのタイミングをあらかじめ設計しておくことが重要だ。 激しい動作の直後に慌てて息を吸おうとしても、次のフレーズに間に合わないことがある。 振り付けのどの動作の前後なら無理なく吸えるのかを確認し、必要な呼気量を適切なタイミングで確保することが大切になる。 身体の重心にも注意したい。 片脚で立つときや方向転換をするときには、下半身でバランスを取りながら、上半身を必要以上に固めないことが求められる。 筋力が十分にあっても、それを発声に適した形で使えなければ、歌声の安定にはつながらない。 練習では、まず動きを加えずに歌い、ブレスや発声の状態を確認する。 その後、振り付けを少しずつ加えながら、どの動作で声が乱れやすいのかを調べていく。 歌とダンスを別々に練習するだけでなく、両方を同時に行うことで生じる問題を、一つずつ解消していくことが必要だ。 激しいダンスを伴う歌唱に求められるのは、単なる体力や肺活量ではない。 動作によって身体の条件が変化しても、呼気圧や声帯の働きを適切に調整し、歌詞を明瞭に届けられることが重要なのである。 今回の共演では、華やかな足上げダンスに注目が集まるだろう。 そんなとき、身体を大きく動かしながらも、声や言葉がどのように届けられているのか、耳を傾けてみたい。 足の高さは目で分かるが、その動きの中で歌声を支えている技術は、なかなか目には見えない。 そこにも、歌って踊る表現者たちの腕の見せどころがある。

大森元貴さんの歌唱には、高音域の華やかさだけでは語れない魅力がある。 歌唱時の喉頭の位置は、声道の共鳴や音色に影響する重要な要素だ。 喉頭が高い位置にあること自体が、誤った発声というわけではない。 その適切な使い方は、歌唱様式や表現の目的によって異なる。 大森さんの歌唱で注目すべきは、単に高音が出ることではない。 中低音から高音への滑らかな移行、声色や強弱の変化、ファルセットとの使い分けなど、実に多彩な表現を聴かせている。 特に優れているのは、こうした技術が単なる技巧の披露に終わらず、言葉の表情や楽曲のドラマ性に結びついていることだ。 歌唱表現では、一つの声色を美しく保つだけでなく、音楽の展開や言葉の意味に応じて、声の状態を自在に変化させる能力が求められる。 優れた歌唱技術とは、特定の発声様式に当てはまることではない。 自分の声をどれだけ自在に操り、音楽表現へと結びつけられるか。 その能力にこそ、歌手としての真価が表れるのだと思う。

FRUITS ZIPPERやCANDY TUNEなどが所属するKAWAII LAB.が、メンバー全員の個人Xでの発信を休止すると発表した。 グループの公式Xや、Instagram・TikTokでの個人発信は続けるという。 SNSそのものから離れるのではなく、発信する場所を見直すという判断だ。 好きな歌手が何気なくつぶやく一言は、ファンにとって嬉しいものだ。 テレビやステージでは見られない素顔に触れられるし、直接言葉を交わせることもある。 SNSの普及によって、かつては考えられなかったほど、歌手とファンの距離は近くなった。 その気軽さが魅力である反面、何気ない発言が思いがけない騒動に発展することもある。 冗談のつもりで書いた言葉が誤解されたり、一部分だけが切り取られて広まったりする。 本人が親しい人に話しかけるような感覚で投稿しても、それを読むのは必ずしも好意的な人ばかりではない。 歌や演技では、言葉の意味だけでなく、声の調子や表情、前後の流れも含めて気持ちを伝えることができる。 ところがSNSでは、短い文章だけが独り歩きすることも珍しくない。 本人の意図とは異なる受け取られ方をしても、読んだ人全員に説明して回るわけにはいかないのだから、厄介な話だ。 今回の一斉休止を寂しく感じるファンもいるだろう。 公式アカウントのお知らせとは違い、個人の発信には、その人自身とつながっているような親しみがある。 それがなくなることを残念に思う気持ちも理解できる。 それでも、歌手がファンを大切にすることと、SNSで頻繁に発信することは同じではない。 公演が終わっても次の投稿を期待され、何かあれば説明を求められる。 舞台は幕が下りれば終わるが、SNSでの活動には明確な終演時間がないのである。 歌手が自分の言葉を届ける場所や方法を選べることは、今後ますます重要になると思う。 ファンとの交流が魅力的なのは、そこに本人の自発的な気持ちがあるからだろう。 発信することが義務になってしまえば、せっかくの親しさも負担になりかねない。 今回の決定によって、ファンとの交流の形は変わるかもしれない。 それでも、歌や公演、ほかのSNSを通じた活動は続いていく。 ファンを大切にする気持ちは、SNSの投稿回数で測れるものではない。 歌手とファンの関係は、一つのSNSアカウントだけで成り立っているわけではないのだ。

低い声だから、歌では目立てないと思っていないか。 高音の華やかさに気を取られて、聴き逃している魅力がある。 『Luther Radio』 第96回、録音でお聴きください。

生活保護を受けている人が旅行をすることについて、「そんなお金と体力があるなら、普通に働いてほしい」という意見が話題になっている。 確かに、毎日懸命に働いても旅行する余裕がない人にとって、生活保護を受けながら旅行を楽しんでいるという話は、簡単には納得できないかもしれない。 税金によって支えられている制度である以上、その使われ方に関心を持つことも自然だと思う。 一方、旅行に行ける体力があることと、継続して働けることは同じではない。 数日間の旅行ができても、毎朝決まった時間に出勤し、長時間働き続けることが難しい人はいる。 旅行に出かけたという事実だけで、その人の就労能力を判断するのは無理がある。 旅行費用についても、日々の生活を切り詰めて蓄えたお金なのか、誰かから援助を受けたのかによって事情は異なる。 生活保護は旅行を一律に禁止する制度ではないが、収入の申告やお金の使途には一定のルールがあり、国内旅行と海外旅行でも扱いが異なる。 旅行したという事実だけで不正とは言えず、実際に制度に反する行為があったかどうかが問題となる。 人間の生活は、食事と睡眠だけで成り立っているわけではない。 ときには旅行に出かけたり、音楽を聴いたり、普段とは異なる景色に触れたりすることが、心身の回復につながる場合もある。 生活保護を受けるようになった途端、そうした楽しみまで失わなければならないという考え方には、賛同できない。 私がむしろ深刻だと思うのは、働いているにもかかわらず、旅行に出かける経済的な余裕や時間を持てない人がいることだ。 生活保護受給者の旅行を制限したところで、働く人の給料が上がるわけでも、休暇が取りやすくなるわけでもない。 不満の背景にある生活の厳しさそのものが、解決されるわけではないのだ。 生活保護の適正な運用は当然必要であり、就労が可能な人には、その能力や事情に応じた支援が求められる。 不正な受給があれば適切に対処すべきだが、旅行を楽しんでいるという情報だけで、個人の生活実態を決めつけることはできない。 私は、生活保護を受けている人が旅行できる社会よりも、真面目に働いている人が旅行すらできない社会の方に、はるかに大きな問題を感じる。 誰かの楽しみを取り上げても、自分の暮らしが豊かになるわけではない。 生活保護を必要とする人が安心して暮らせることと、働く人が十分な収入と休暇を得られることは、どちらも実現してほしいことなのだ。

「オーケストラに指揮者は本当に必要なのか？」という疑問がXで話題になっている。 確かに指揮者というのは、何とも不思議な職業だ。 自分では一音も出さず、客席に背中を向けたまま、全身を使って大騒ぎしている。 しかも演奏が終われば盛大な拍手を浴びるのだから、事情を知らない人には、ずいぶん得な仕事に見えるかもしれない。 指揮者の仕事が単に拍子を取ることなら、メトロノームを置いておけば済む。 テンポは正確だし、出演料もいらない。 気難しい注文もしないから、楽団員にとっては理想的な上司になるだろう。 ところが、音楽というものは、全員が正しい音を正しいタイミングで演奏すれば完成するわけではない。 同じ楽譜でも、どこに向かって音楽を進めるのか、どの楽器の音を際立たせるのかによって、聴こえてくる音楽は大きく変わる。 指揮者はリハーサルの段階から、その作品をどう表現するかを奏者たちと共有し、本番では演奏の変化に応じて全体を導いている。 オペラとなると、さらに厄介だ。 歌手は言葉の意味や舞台上の感情によって、旋律の時間の使い方を微妙に変える。 指揮者には、その呼吸や表現を受け取り、オーケストラと結びつける役割もある。 歌手が切々と愛を訴えているのに、オーケストラだけが先へ進んでしまっては、せっかくの悲恋のアリアも台無しだ。 歌手としては、失恋したうえに伴奏からまで置いていかれるのだから、踏んだり蹴ったりである。 もっとも、指揮者がいなければ演奏できないわけでもない。 実際、ニューヨークのオルフェウス室内管弦楽団は、指揮者を置かずに高水準の演奏を続けている。 その代わり、奏者たち自身が音楽の解釈について話し合い、演奏をまとめる役割を担っている。 指揮者がいないからといって、誰も音楽をまとめていないわけではないのだ。 もちろん、指揮棒を持てば誰でも名指揮者になれるわけではない。 振り方が立派でも、演奏が立派になるとは限らない。 大げさな身振りで音楽を盛り上げたつもりになっていても、肝心のオーケストラは実に冷静、ということだってあり得る。 優れた指揮者は、奏者を自分の思い通りに動かすだけの存在ではない。 奏者が持つ能力や感性を引き出し、一人ひとりの演奏を、全員でなければ生み出せない音楽へと結びつけていく。 その働きは、客席から見ているだけでは分かりにくい部分も多い。 それにしても、何十人もの優秀な演奏家を相手に、楽器を一つも持たずに勝負するのだから、考えてみれば相当な度胸が必要な仕事である。 指揮者が本当に必要かどうかは、編成や作品、演奏する人々によっても変わる。 大切なのは、指揮者がいること自体ではなく、その存在によって音楽に何が生まれるのかということだろう。 もっとも、指揮者がいなくても見事に演奏できるオーケストラを前にしたら、指揮者の方も少々落ち着かないかもしれない。 なにしろ、自分の仕事の必要性を、演奏そのもので証明しなければならないのだから。